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En este blog podras encontrar varios d los generos de musica que hay en el pais
jueves, 25 de octubre de 2012
Diferentes Generos De Musica
miércoles, 24 de octubre de 2012
REGGAETON
origenes del regaeton
Existen dos versiones sobre el origen del Reggaeton: unos dicen que nació en Panamá, mientras que otros piensan que lo hizo en Puerto Rico, en donde además proceden la mayoría de los cantantes de este género.
El Reggaeton se deriva del Reggae jamaicano, pero también recibe influencias de diferentes géneros como el Hip-Hop norteamericano y diferentes ritmos portorriqueños
Conozcamos primero un poco de la historia del Rap y el Reggae en español, que han influido tanto en la creación del Reggaeton.
El Reggae y el Rap en español: Comienzos y Evolución
El Reggae surgió en Jamaica en los años 70, pero ha sufrido muchos cambios con el transcurso del tiempo, mezclándose, a su vez, con otros ritmos. Panamá fue el primer lugar en donde se cantó Reggae en español (Chicho Man), mientras que en Puerto Rico se interpretaron los primeros temas de Rap en castellano a cargo de Vico C. Ambos hechos se produjeron en el año 1985, aunque en los años sucesivos, el movimiento se siguió extendiendo a países de América latina y EE.UU.
Durante el transcurso de este apogeo, se produjo el boom comercial de Vico C, con su Rap en español y el "merengue house" (mezcla de Rap y Merengue), con el que consiguió obtener un gran éxito.
A partir de la década de los 90, el Reggae se siguió manteniendo tal y como el originario de Jamaica, pero en español. Mientras, en Puerto Rico, además de Rap, se empezó a escuchar también el Reggae de Jamaica, que tuvo bastante buena aceptación. Aprovechando este pequeño éxito, se empezó a introducir en el país boricua el ritmo que los panameños habían creado.
Los primeros temas de Reggae que se escucharon en Puerto Rico fueron, por ejemplo, "Dembow" de Nando Boom, "Pantalon caliente" de Pocho Pan, "Dulce" de la atrevida o todos los exitos internacionales de Gringo Man y de el gran General, como "Muevelo" y "Son bow".
Primeros sonidos de Reggaeton
Los primeros sonidos semejantes a los actuales del Reggaeton surgieron en Puerto Rico en la discoteca "The Noise", entre 1993 y 1994, en donde se escuchaba el Rap de Vico C con sonidos de fondo jamaicanos.
El género del Reggaeton comenzó acuñando en Puerto Rico el término "Under", debido a que era distribuido de forma clandestina entre la juventud por el fuerte contenido de las letras y el lenguaje utilizado.
Primeras producciones de Reggaeton y primeros intérpretes
A finales de 1994 aparecieron las dos primeras producciones que mezclaban Rap con Reggae en español. Se trataban de "Playero 37" y "The Noise". En ellas, un cantante de Rap interpretaba los temas, acompañado de arreglos musicales de beats de Reggae, movido sobre sonidos instrumentales del Rap. En Palyero 37 fue donde Daddy Yankee, O.G. Black o Master Joe, entre otros, comenzaron sus carreras como cantantes.
Entre los primeros artistas que empezaron a interpretar esta fusión, se encuentran Don Chezina, Daddy Yankee, Baby Rasta y Gringo, Guanabanas, Polaco o Maico y Manuel.
The Noise: una de las primeras producciones. Temas utilizados
Las dos primeras producciones de The Noise incluyeron temas que hablaban sobre violencia en las calles , sexo y drogas. Pero The Noise 3 fue muy diferente, ya que usaron pistas de Reggae lento para poder así interpretar temas románticos o con mensajes positivos, evitando así las críticas que habían recibido por parte de las autoridades. Producciones de gran importancia en Panamá fueron The Creation 1 y La Cripta 1.
El Reggaeton: crecimiento a mediados y decaída a finales de los 90
El Reggaeton pasó de ser, en poco tiempo, un género clandestino, a la única música escuchada, sobre todo, en equipos de música de todo tipo de coches. La comercialización de este género dio paso paso a las famosas "tiraeras" que existen en este mundillo, que consisten en las típicas guerras líricas entre los Dj's, en las que se fue formando la enemistad y la falta de respeto entre ellos. Cada Dj tiene su "corillo" o bando/pandilla de cantantes.
Estas peleas hicieron que el Reggaeton decayera a finales de la década de los 90 (1997-2000). Pero gracias a un acuerdo entre todos los "corillos", se consiguió terminar con la "tiraera" que existía. Esto permitió que empezaran a destacar tanto cantantes, "Benny Blanco presenta a Daddy Yankee" o "Don Chezina" salieron al mercado, como compilaciones entre varios artistas, aunque el público siguió prefiriendo este último tipo de producciones.
Expansión del Reggaeton por todo el mundo
El ritmo del Reggaeton, ya muy popular entre la juventud, empezó a extenderse a diferentes países de América latina, llegando a calar incluso en el público estadounidense. Este expectacular crecimiento es lo que le ha dado al género del Reggaeton una posición para nada esperada, ya que poco años antes, se consideraba un género en penumbra.
Actualmente, el Reggaeton es un género musical que triunfa en múltiples países, como, por ejemplo, Venezuela, Colombia, Mexico, Argentina, España, República Dominicana, Estados Unidos, Puerto Rico, etc.
Pero no solamente el Reggaeton ha llegado a mercados donde el idioma principal es el castellano, sino que también se han producido sorpresas, como el éxito del grupo peruano Los Kalibres en Japón, o el grupo Pachanga en Alemania.
Existen dos versiones sobre el origen del Reggaeton: unos dicen que nació en Panamá, mientras que otros piensan que lo hizo en Puerto Rico, en donde además proceden la mayoría de los cantantes de este género.
El Reggaeton se deriva del Reggae jamaicano, pero también recibe influencias de diferentes géneros como el Hip-Hop norteamericano y diferentes ritmos portorriqueños
Conozcamos primero un poco de la historia del Rap y el Reggae en español, que han influido tanto en la creación del Reggaeton.
El Reggae y el Rap en español: Comienzos y Evolución
El Reggae surgió en Jamaica en los años 70, pero ha sufrido muchos cambios con el transcurso del tiempo, mezclándose, a su vez, con otros ritmos. Panamá fue el primer lugar en donde se cantó Reggae en español (Chicho Man), mientras que en Puerto Rico se interpretaron los primeros temas de Rap en castellano a cargo de Vico C. Ambos hechos se produjeron en el año 1985, aunque en los años sucesivos, el movimiento se siguió extendiendo a países de América latina y EE.UU.
Durante el transcurso de este apogeo, se produjo el boom comercial de Vico C, con su Rap en español y el "merengue house" (mezcla de Rap y Merengue), con el que consiguió obtener un gran éxito.
A partir de la década de los 90, el Reggae se siguió manteniendo tal y como el originario de Jamaica, pero en español. Mientras, en Puerto Rico, además de Rap, se empezó a escuchar también el Reggae de Jamaica, que tuvo bastante buena aceptación. Aprovechando este pequeño éxito, se empezó a introducir en el país boricua el ritmo que los panameños habían creado.
Los primeros temas de Reggae que se escucharon en Puerto Rico fueron, por ejemplo, "Dembow" de Nando Boom, "Pantalon caliente" de Pocho Pan, "Dulce" de la atrevida o todos los exitos internacionales de Gringo Man y de el gran General, como "Muevelo" y "Son bow".
Primeros sonidos de Reggaeton
Los primeros sonidos semejantes a los actuales del Reggaeton surgieron en Puerto Rico en la discoteca "The Noise", entre 1993 y 1994, en donde se escuchaba el Rap de Vico C con sonidos de fondo jamaicanos.
El género del Reggaeton comenzó acuñando en Puerto Rico el término "Under", debido a que era distribuido de forma clandestina entre la juventud por el fuerte contenido de las letras y el lenguaje utilizado.
Primeras producciones de Reggaeton y primeros intérpretes
A finales de 1994 aparecieron las dos primeras producciones que mezclaban Rap con Reggae en español. Se trataban de "Playero 37" y "The Noise". En ellas, un cantante de Rap interpretaba los temas, acompañado de arreglos musicales de beats de Reggae, movido sobre sonidos instrumentales del Rap. En Palyero 37 fue donde Daddy Yankee, O.G. Black o Master Joe, entre otros, comenzaron sus carreras como cantantes.
Entre los primeros artistas que empezaron a interpretar esta fusión, se encuentran Don Chezina, Daddy Yankee, Baby Rasta y Gringo, Guanabanas, Polaco o Maico y Manuel.
The Noise: una de las primeras producciones. Temas utilizados
Las dos primeras producciones de The Noise incluyeron temas que hablaban sobre violencia en las calles , sexo y drogas. Pero The Noise 3 fue muy diferente, ya que usaron pistas de Reggae lento para poder así interpretar temas románticos o con mensajes positivos, evitando así las críticas que habían recibido por parte de las autoridades. Producciones de gran importancia en Panamá fueron The Creation 1 y La Cripta 1.
El Reggaeton: crecimiento a mediados y decaída a finales de los 90
El Reggaeton pasó de ser, en poco tiempo, un género clandestino, a la única música escuchada, sobre todo, en equipos de música de todo tipo de coches. La comercialización de este género dio paso paso a las famosas "tiraeras" que existen en este mundillo, que consisten en las típicas guerras líricas entre los Dj's, en las que se fue formando la enemistad y la falta de respeto entre ellos. Cada Dj tiene su "corillo" o bando/pandilla de cantantes.
Estas peleas hicieron que el Reggaeton decayera a finales de la década de los 90 (1997-2000). Pero gracias a un acuerdo entre todos los "corillos", se consiguió terminar con la "tiraera" que existía. Esto permitió que empezaran a destacar tanto cantantes, "Benny Blanco presenta a Daddy Yankee" o "Don Chezina" salieron al mercado, como compilaciones entre varios artistas, aunque el público siguió prefiriendo este último tipo de producciones.
Expansión del Reggaeton por todo el mundo
El ritmo del Reggaeton, ya muy popular entre la juventud, empezó a extenderse a diferentes países de América latina, llegando a calar incluso en el público estadounidense. Este expectacular crecimiento es lo que le ha dado al género del Reggaeton una posición para nada esperada, ya que poco años antes, se consideraba un género en penumbra.
Actualmente, el Reggaeton es un género musical que triunfa en múltiples países, como, por ejemplo, Venezuela, Colombia, Mexico, Argentina, España, República Dominicana, Estados Unidos, Puerto Rico, etc.
Pero no solamente el Reggaeton ha llegado a mercados donde el idioma principal es el castellano, sino que también se han producido sorpresas, como el éxito del grupo peruano Los Kalibres en Japón, o el grupo Pachanga en Alemania.
HIP HOP
Orígenes e historia del Hip Hop
Este estilo de vida surge en la década de los 70’ en Nueva York. Surge a raíz de fiestas que se solían hacer en los barrios negros de la ciudad, en las que había música y baile. Los ritmos que más gustaban eran soul, funky o disco. Pero cuando acababa la percusión, los que ponían los discos (que hoy en día conocemos como Dj's) aislaban los ritmos y los cantantes (Mc's actuales) seguían recitando e improvisando sobre esas bases.
Poco a poco, con técnicas como la mezcla de audio y el scratching (mover el disco hacia delante y hacia atrás, consiguiendo diversos efectos), se evolucionó notablemente y se fue acercando cada vez a lo que actualmente conocemos. Y con esta evolución también apareció un estilo de baile nuevo en las fiestas: El Break Dance.
Durante toda la década de los 80' y parte de los 90' se pensó que el hip hop sólo era una moda pasajera y que desaparecería. Pero todo lo contrario. No sólo no ha desaparecido, sino que varios estilos de música han salido de él: mainstream, gangsta rap, electro hop, hip hop latino (desde sus comienzos el hip hop ha guardado una relación muy estrecha con la comunidad latina de Nueva York)...
En la década del 2000 ha cobrado muchísima fuerza y se ha extendido por todas partes del mundo gracias a artistas internacionales como el propio Eminem.
Este estilo de vida surge en la década de los 70’ en Nueva York. Surge a raíz de fiestas que se solían hacer en los barrios negros de la ciudad, en las que había música y baile. Los ritmos que más gustaban eran soul, funky o disco. Pero cuando acababa la percusión, los que ponían los discos (que hoy en día conocemos como Dj's) aislaban los ritmos y los cantantes (Mc's actuales) seguían recitando e improvisando sobre esas bases.
Poco a poco, con técnicas como la mezcla de audio y el scratching (mover el disco hacia delante y hacia atrás, consiguiendo diversos efectos), se evolucionó notablemente y se fue acercando cada vez a lo que actualmente conocemos. Y con esta evolución también apareció un estilo de baile nuevo en las fiestas: El Break Dance.
Durante toda la década de los 80' y parte de los 90' se pensó que el hip hop sólo era una moda pasajera y que desaparecería. Pero todo lo contrario. No sólo no ha desaparecido, sino que varios estilos de música han salido de él: mainstream, gangsta rap, electro hop, hip hop latino (desde sus comienzos el hip hop ha guardado una relación muy estrecha con la comunidad latina de Nueva York)...
En la década del 2000 ha cobrado muchísima fuerza y se ha extendido por todas partes del mundo gracias a artistas internacionales como el propio Eminem.
La palabra Hip Hop puede evocar muchas cosas: música rap con
muchos bajos, gente vestida con ropa XXL, graffiti, un lenguaje propio y difícil
de descifrar…Todo eso es cierto. Pero el hiphop es mucho más.
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El hip hop es una cultura musical nacida de la cultura
afro-americana y que en nuestros días ha sobrepasado las fronteras de ser solo
una moda o un fenómeno musical momentáneo. Hoy en día el hip hop posee una
trascendencia racial, internacional e, incluso, de clases sociales.
La Cultura Hip-Hop se compone de cuatro modos básicos de expresión: el MCing (o rapping), el DJing (o turntablism), el Breakdancing (o BBoying), y el Graffiti. Aunque a estos modos de expresión se le han acoplado otros con el paso del tiempo como pueden ser filosofías, poesía o modas. Pero para sus partidarios no es sólo un estilo musical o una moda. Para los verdaderos seguidores, es una filosofía o, incluso, una forma de vida. Una frase definiría su forma de sentir: “Nosotros no estamos haciendo Hip-Hop. Nosotros no somos parte de la cultura Hip-Hop. NOSOTROS SOMOS HIP-HOP" |
CUMBIA
Origen
La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales distintas: indígena, negra, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas durante la Conquista y Colonia. La presencia de estos elementos culturales se puede apreciar así:
Dicha mezcla etnomusical que da origen a la cumbia se produce durante la Colonia en el país indígena del Pocabuy (que estuvo conformado por las actuales poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en el Cesar, y Mompós Chilloa, Chimí y Guatacá en Bolívar), ubicado en la actual Costa Caribe colombiana, en la parte alta del valle del río Magdalena región de la Depresión momposina (incluidas las culturas de las sabanas y el Sinú, al norte de la Pincoya), producto de la fusión musical y cultural de indígenas, esclavos negros de origen africano y, en menor escala, de los españoles, como dan referencia de ello historiadores como el Orlando Fals Borda en su libro Mompox y Loba, de la serie Historia Doble de la Costa, Tomo I, y Gnecco Rangel Pava en sus libros El País de Pocabuy y Aires Guamalenses. Los Pocabuy son mencionados en diversas grabaciones, aunque la mención más famosa corresponde al tema "Cumbia de la paz" grabada por Chico Cervantes en el estribillo; "ritual sublime de los Pocabuy, en la rueda de la cumbia, se despedían, de los bravos guerreros que ahí morían en la paz de la cumbia...".
Según anota Fals Borda:
"La cumbia nació en el país de Pocabuy conformado por El Banco, Chiriguaná, Mompox, Tamalameque, Guamal y Chimí. Pocabuy era un país indígena que se extendía a todo lo largo del río Tucurinca” (actual Magdalena)".
Formación instrumental
La forma más auténtica de la cumbia es exclusivamente instrumental, sigue patrones rítmicos que varían de acuerdo con la instrumentación utilizada, en compás de 2/4 o 2/2, y presenta adaptaciones regionales de acuerdo con el predominio de una población indígena o negra. Es ejecutada y seguida tradicionalmente por el conjunto de tambores: llamador, alegre, tambora, así como la flauta de millo
o las gaitas, macho y hembra, las maracas y el guache. La cumbia cantada es una adaptación relativamente cercana en la que el canto de solistas y coros o cuartetos se alternan a la de la flauta de millo o las gaitas. El conjunto de cumbia es una ulterior evolución del originario conjunto de la tambora, estando el conjunto de tambora conformado por el tambor alegre y el llamador y, en algunos casos, por la tambora. Es un baile meramente cantado, como el chandé, con sus palmas y coros, junto al cual luego se sumaron los pitos de las gaitas o los millos.
Gaitas
Instrumento aerófono de ancestro indígena: gaita derecha fabricada a partir del corazón del cardón, con una formación de cera en uno de sus extremos en donde se hace una ranura y se inserta un apéndice cilíndrico, generalmente la base de una pluma de pato, a manera de canal y boquilla, respectivamente, con orificios variables entre 3 y 6 hacia la parte baja del cuerpo.
Se le llama de esta forma por la similitud de su sonido con el de las gaitas de pico de los españoles.
La gaita hembra, de 5 orificios, proporciona la melodía. Su acompañante, a contra punto, la gaita macho, de 2 orificios, cumple una función marcante e imprime una profunda virilidad en el tañido de su lamento.
Un gaitero toca la gaita macho con una mano; con la otra, a la vez con gran destreza, la maraca, y sus labios sólo sueltan la gaita para cantar.
Es un instrumento muy importante en la Costa Caribe porque le da ritmo a la cumbia, así como a los otros ritmos que se pueden interpretar con ellas: el porro, la gaita instrumental y el merengue.
Flauta de millo o pito atravesado
Instrumento aerófono de origen indígena que reemplaza a las gaitas. Recibe otras denominaciones como flauta traversa de millo, carrizo, lata o bambú. Es un instrumento abierto en sus dos extremos, de unos 25 a 30 cm de largo y de 1,5 a 2 cm de diámetro, normalmente. Tiene cuatro orificios situados a unos 1 ó 1,5 cm entre sí y a unos 10 cm de la lengüeta, obtenida de la corteza de la caña y que forma la embocadura por la cual entra y sale el aire mediante emisión e inmisión del ejecutante, dotada de un hilo pisado a la lengüeta y sostenido por los dientes para modular el sonido y producir el efecto vibrado de los sonidos agudos, lográndose los más graves y nasales o bajos con el cierre de la abertura situada al extremo más próximo a la embocadura En el departamento del Atlántico se conoce como flauta o caña de millo, en las sabanas de Bolívar, Córdoba y Sucre como pito atravesado.
Tambores
Instrumentos membranófonos de percusión, de origen africano, que constan de una caja de resonancia, generalmente cilíndrica, aunque a veces algo cónica, y una o dos membranas o parches de cuero animal, que cubren la abertura de la caja.
Para producir el sonido el tambor es golpeado generalmente con la mano o algún objeto, comúnmente baquetas y también se suele percutir la caja. En los tambores se distinguen:
Maracón
Voz de etimología guaraní (mbaraka [mbaɾa'ka]) que nombra al instrumento idiófono de origen indígena, formado por una parte esférica de calabaza seca, en nuestro medio generalmente de totumo, con semillas o piedrecillas en su interior y un mango de palo que atraviesa o se adhiere al totumo y le sirve, a la vez, de sostén. Acompañan a la gaita macho y proporcionan el "brillo" en la canción.
Guache
Instrumento rítmico idiófono al igual que las maracas, y con estas se encarga del acompañamiento versátil y vivaz de las improvisaciones musicales comandadas por la coquetería del tambor alegre. Es de cuerpo alargado, generalmente metálico, con estrías o perforaciones y pequeños percutores dentro, como semillas o piedrecillas y fragmentos de vidrio
Tipos
La cumbia es madre de muchos ritmos como el porro, la gaita, la chalupa, el bullerengue,el garabato, el chandé, la tambora, el berroche, el paseo, el son, la puya, entre otros. Existen varias modalidades regionales de la cumbia: cumbia sampuesana, soledeña, cienaguera, momposina, sanjacintera, cartagenera, cereteana, magangueleña, entre otras.
Cumbia clásica
La cumbia clásica se toca con instrumentos como la kuisi sigí (gaita macho), la kuisi bunzí (gaita hembra) y una maraca (taní) acompañadas algunas veces de las suaras (idénticas a las gaitas anteriores). Se trata de un aire zambo que está formado por una melodía indígena y un ritmo de tambores negros, nunca se canta, es solo danza y totalmente instrumental. Cabe mencionar que existen otros ritmos del Caribe colombiano que tienen como base la cumbia como el bullerengue, los porros y la saloma.
Cumbia sabanera
En las sabanas de Córdoba, Sucre y Bolívar, la cumbia se ejecuta con banda de hojita o banda pelayera
cumbia comercial o moderna
En la cumbia moderna se encuentran instrumentos como el clarinete, la guacha, las maracas, el tambor llamador, el tambor alegre y tambora o bombo, el sintetizador, el piano, guacharaca e instrumentos de viento típicos del Caribe.
Cumbiamba
Muchos autores en sus escritos hacen diferencia entre cumbia y cumbiamba o también dicen que los negros que llegaron de África para ser esclavizados trajeron consigo sus danzas y tonadas especiales y, a medida que pasaba el tiempo, aprendieron castellano y empezaron a cantar en este idioma. Actualmente cerca de los ríos colombianos donde se instalaron los africanos en su momento resuenan el currulao y el mapalé y se baila cumbia o cumbiamba.
"Según testimonios escritos son dos las diferencias principales que existen entre la cumbia y la cumbiamba: la cumbia se toca con banda, y las bailarinas llevan velas o teas en las manos. La cumbiamba se baila con acordeón y flauta de millo y sin velas".
Al parecer, la diferencia más notoria son los implementos utilizados en el ritmo de baile y de la instrumentación manejada.
Existe también una función para cada uno de los integrantes de la banda:
Este nuevo baile adoptó pasos de otros ritmos que en ese entonces eran populares en estas regiones del país. Entre ellos se encuentran el mambo-bolero, el fox-trot, el pasodoble y el tango Además, se crearon nuevos pasos y figuras que le darían a la cumbia un estilo propio. La cumbia, en esta variante orquestada, fue la que se popularizó en toda Colombia y eventualmente en todo el continente. A partir de ese momento, la cumbia pasó de ser una danza exclusivamente folclórica a ser música típica de los más lujosos salones de baile de la época en ciudades como Cali, Medellín y Bogotá.
Cumbia vallenata
Incluye, además de los instrumentos clásicos, al acordeón diatónico, ya sea para acompañamiento o solo y puede o no llevar cantos. Diversos exponentes han sido difusores o intérpretes del estilo desde la década de 1960 como Los Corraleros de Majagual, Andrés Landero, Policarpo Calle, Alfredo Gutiérrez o Lisandro Meza, entre otros. También en el extranjero se imponen el Cuarteto Imperial en Argentina; en México, Super Grupo Colombia, Guacharacos de Colombia y La Perla Colombiana de Félix Olvera, Cuarteto Continental de Perú y Vallenatos del Guayas en Ecuador.
Atuendo
Las mujeres usan polleras amplias y dos estilos de blusas: las cerradas, de mangas tres cuartos con volantes, los cuales también están presentes en el remate de la blusa, que cae a unos 50 centímetros del hombro. Por la espalda va entallada a la cintura y por delante totalmente suelta. En los climas más calientes se usa otro tipo de blusa escotada con un volante grande que rodea los hombros y en la cintura va sujeta a la falda. La mujer lleva en el brazo en alto uno o varios manojos de velas encendidas (antiguamente usaban mechones, usuales en fiestas públicas), con las cuales alumbra y a la vez se defiende de la insistencia del hombre. En la cabeza llevan ramilletes de cayenas y en los cuellos collares de variados colores.
Los hombres siempre visten pantalón y camisa blancos. La camisa es de cuello redondo, con pechera adornada y mangas largas de puño cerrado. El pantalón se anuda en la parte de atrás. Además, los hombres lucen un pañolón rojo alrededor del cuello, sombrero concha de jobo o vueltiao, mochila y una funda sin machete al cinto.
Coreografía
Los bailarines entran en escena desde el fondo en doble fila india, las mujeres por la izquierda, los hombres por la derecha, trazan un semicírculo, las mujeres siguen a un lado y los hombres al otro, se encuentran nuevamente en un punto medio, entonces hombre y mujer dan una vuelta sobre sí mismos en dicho punto. Luego avanzan hasta formar un círculo con que empieza la cumbia.
La mujer baila en posición erguida sosteniendo con el brazo derecho en alto un mazo de velas encendidas y con la mano izquierda levantando un extremo de la pollera a la altura de la cintura. Danza deslizándose sobre el suelo, nunca levanta los pies, el movimiento de las caderas es moderado y rítmico.
El hombre apoya siempre toda la planta del pie izquierdo a manera de pivote, y del derecho sólo apoya el metatarso, elevando el talón. Realiza cabriolas, gesticula, hace ademanes, pela los dientes, saca la lengua, encoge los hombros, se encorva, se quita y se vuelve a poner el sombrero, da más velas a la mujer, a la cual le baila de frente, a los lados, por detrás y da vueltas a su alrededor.
Pasos
Festivales
Anualmente se celebran el Festival Nacional de la Cumbia, en El Banco, Magdalena, el Festival Nacional de la Cumbiamba en Cereté, Córdoba, y el Sirenato de la Cumbia en Puerto Colombia, Atlántico. El carnaval de Barranquilla es escenario de múltiples presentaciones y concursos de cumbia; el principal escenario de los desfiles, la avenida denominada Vía 40, se llama el "cumbiódromo" durante los días de carnaval en analogía con el sambódromo de Río de Janeiro y otras ciudades de Brasil. Desde hace varios años se proyecta el traslado del cumbiódromo a la futura avenida del Río.
La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales distintas: indígena, negra, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas durante la Conquista y Colonia. La presencia de estos elementos culturales se puede apreciar así:
- En la instrumentación están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (flauta de millo y gaitas de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque adaptadas luego.
- Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos de los bailes de origen africano.
- Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas, y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blancos, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.
Dicha mezcla etnomusical que da origen a la cumbia se produce durante la Colonia en el país indígena del Pocabuy (que estuvo conformado por las actuales poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en el Cesar, y Mompós Chilloa, Chimí y Guatacá en Bolívar), ubicado en la actual Costa Caribe colombiana, en la parte alta del valle del río Magdalena región de la Depresión momposina (incluidas las culturas de las sabanas y el Sinú, al norte de la Pincoya), producto de la fusión musical y cultural de indígenas, esclavos negros de origen africano y, en menor escala, de los españoles, como dan referencia de ello historiadores como el Orlando Fals Borda en su libro Mompox y Loba, de la serie Historia Doble de la Costa, Tomo I, y Gnecco Rangel Pava en sus libros El País de Pocabuy y Aires Guamalenses. Los Pocabuy son mencionados en diversas grabaciones, aunque la mención más famosa corresponde al tema "Cumbia de la paz" grabada por Chico Cervantes en el estribillo; "ritual sublime de los Pocabuy, en la rueda de la cumbia, se despedían, de los bravos guerreros que ahí morían en la paz de la cumbia...".
Según anota Fals Borda:
"La cumbia nació en el país de Pocabuy conformado por El Banco, Chiriguaná, Mompox, Tamalameque, Guamal y Chimí. Pocabuy era un país indígena que se extendía a todo lo largo del río Tucurinca” (actual Magdalena)".
Formación instrumental
La forma más auténtica de la cumbia es exclusivamente instrumental, sigue patrones rítmicos que varían de acuerdo con la instrumentación utilizada, en compás de 2/4 o 2/2, y presenta adaptaciones regionales de acuerdo con el predominio de una población indígena o negra. Es ejecutada y seguida tradicionalmente por el conjunto de tambores: llamador, alegre, tambora, así como la flauta de millo
o las gaitas, macho y hembra, las maracas y el guache. La cumbia cantada es una adaptación relativamente cercana en la que el canto de solistas y coros o cuartetos se alternan a la de la flauta de millo o las gaitas. El conjunto de cumbia es una ulterior evolución del originario conjunto de la tambora, estando el conjunto de tambora conformado por el tambor alegre y el llamador y, en algunos casos, por la tambora. Es un baile meramente cantado, como el chandé, con sus palmas y coros, junto al cual luego se sumaron los pitos de las gaitas o los millos.
Gaitas
Instrumento aerófono de ancestro indígena: gaita derecha fabricada a partir del corazón del cardón, con una formación de cera en uno de sus extremos en donde se hace una ranura y se inserta un apéndice cilíndrico, generalmente la base de una pluma de pato, a manera de canal y boquilla, respectivamente, con orificios variables entre 3 y 6 hacia la parte baja del cuerpo.
Se le llama de esta forma por la similitud de su sonido con el de las gaitas de pico de los españoles.
La gaita hembra, de 5 orificios, proporciona la melodía. Su acompañante, a contra punto, la gaita macho, de 2 orificios, cumple una función marcante e imprime una profunda virilidad en el tañido de su lamento.
Un gaitero toca la gaita macho con una mano; con la otra, a la vez con gran destreza, la maraca, y sus labios sólo sueltan la gaita para cantar.
Es un instrumento muy importante en la Costa Caribe porque le da ritmo a la cumbia, así como a los otros ritmos que se pueden interpretar con ellas: el porro, la gaita instrumental y el merengue.
Flauta de millo o pito atravesado
Instrumento aerófono de origen indígena que reemplaza a las gaitas. Recibe otras denominaciones como flauta traversa de millo, carrizo, lata o bambú. Es un instrumento abierto en sus dos extremos, de unos 25 a 30 cm de largo y de 1,5 a 2 cm de diámetro, normalmente. Tiene cuatro orificios situados a unos 1 ó 1,5 cm entre sí y a unos 10 cm de la lengüeta, obtenida de la corteza de la caña y que forma la embocadura por la cual entra y sale el aire mediante emisión e inmisión del ejecutante, dotada de un hilo pisado a la lengüeta y sostenido por los dientes para modular el sonido y producir el efecto vibrado de los sonidos agudos, lográndose los más graves y nasales o bajos con el cierre de la abertura situada al extremo más próximo a la embocadura En el departamento del Atlántico se conoce como flauta o caña de millo, en las sabanas de Bolívar, Córdoba y Sucre como pito atravesado.
Tambores
Instrumentos membranófonos de percusión, de origen africano, que constan de una caja de resonancia, generalmente cilíndrica, aunque a veces algo cónica, y una o dos membranas o parches de cuero animal, que cubren la abertura de la caja.
Para producir el sonido el tambor es golpeado generalmente con la mano o algún objeto, comúnmente baquetas y también se suele percutir la caja. En los tambores se distinguen:
- El llamador, el tambor más pequeño de todos, también llamado macho, que marca la cadencia rítmica o compás, por lo cual es al único que no se permiten los llamados "revuelos" o "lujos" en su interpretación.
- El alegre o hembra, tambor que marca la melodía; "juguetea" con las notas de las melodías dictadas por los instrumentos líderes en este sentido y que se adorna con complejas y alegres improvisaciones sobre todo al final de la frase melódica, durante su ejecución.
- La tambora, tambor mayor en su tamaño y único con dos cueros, uno en cada boca de la caja de resonancia, en el cual recae toda la responsabilidad de la pronunciación del acento sonoro característico de los aires tradicionales en el acompañamiento de cada pieza musical. Proporciona adornos y el bajo.
Maracón
Voz de etimología guaraní (mbaraka [mbaɾa'ka]) que nombra al instrumento idiófono de origen indígena, formado por una parte esférica de calabaza seca, en nuestro medio generalmente de totumo, con semillas o piedrecillas en su interior y un mango de palo que atraviesa o se adhiere al totumo y le sirve, a la vez, de sostén. Acompañan a la gaita macho y proporcionan el "brillo" en la canción.
Guache
Instrumento rítmico idiófono al igual que las maracas, y con estas se encarga del acompañamiento versátil y vivaz de las improvisaciones musicales comandadas por la coquetería del tambor alegre. Es de cuerpo alargado, generalmente metálico, con estrías o perforaciones y pequeños percutores dentro, como semillas o piedrecillas y fragmentos de vidrio
Tipos
La cumbia es madre de muchos ritmos como el porro, la gaita, la chalupa, el bullerengue,el garabato, el chandé, la tambora, el berroche, el paseo, el son, la puya, entre otros. Existen varias modalidades regionales de la cumbia: cumbia sampuesana, soledeña, cienaguera, momposina, sanjacintera, cartagenera, cereteana, magangueleña, entre otras.
Cumbia clásica
La cumbia clásica se toca con instrumentos como la kuisi sigí (gaita macho), la kuisi bunzí (gaita hembra) y una maraca (taní) acompañadas algunas veces de las suaras (idénticas a las gaitas anteriores). Se trata de un aire zambo que está formado por una melodía indígena y un ritmo de tambores negros, nunca se canta, es solo danza y totalmente instrumental. Cabe mencionar que existen otros ritmos del Caribe colombiano que tienen como base la cumbia como el bullerengue, los porros y la saloma.
Cumbia sabanera
En las sabanas de Córdoba, Sucre y Bolívar, la cumbia se ejecuta con banda de hojita o banda pelayera
cumbia comercial o moderna
En la cumbia moderna se encuentran instrumentos como el clarinete, la guacha, las maracas, el tambor llamador, el tambor alegre y tambora o bombo, el sintetizador, el piano, guacharaca e instrumentos de viento típicos del Caribe.
Cumbiamba
Muchos autores en sus escritos hacen diferencia entre cumbia y cumbiamba o también dicen que los negros que llegaron de África para ser esclavizados trajeron consigo sus danzas y tonadas especiales y, a medida que pasaba el tiempo, aprendieron castellano y empezaron a cantar en este idioma. Actualmente cerca de los ríos colombianos donde se instalaron los africanos en su momento resuenan el currulao y el mapalé y se baila cumbia o cumbiamba.
"Según testimonios escritos son dos las diferencias principales que existen entre la cumbia y la cumbiamba: la cumbia se toca con banda, y las bailarinas llevan velas o teas en las manos. La cumbiamba se baila con acordeón y flauta de millo y sin velas".
Al parecer, la diferencia más notoria son los implementos utilizados en el ritmo de baile y de la instrumentación manejada.
Existe también una función para cada uno de los integrantes de la banda:
- El músico mayor es el gaitero quien toca la gaita hembra.
- El segundo músico es el tamborero quien toca el tambor alegre.
- El tercer músico es el de la tambora o bombo el cual se toca con baquetas.
- El cuarto músico es el llamador.
- El quinto músico es el maraquero quien acompaña con otra flauta o gaita macho.
- El último es el guachero opcional.
Este nuevo baile adoptó pasos de otros ritmos que en ese entonces eran populares en estas regiones del país. Entre ellos se encuentran el mambo-bolero, el fox-trot, el pasodoble y el tango Además, se crearon nuevos pasos y figuras que le darían a la cumbia un estilo propio. La cumbia, en esta variante orquestada, fue la que se popularizó en toda Colombia y eventualmente en todo el continente. A partir de ese momento, la cumbia pasó de ser una danza exclusivamente folclórica a ser música típica de los más lujosos salones de baile de la época en ciudades como Cali, Medellín y Bogotá.
Cumbia vallenata
Incluye, además de los instrumentos clásicos, al acordeón diatónico, ya sea para acompañamiento o solo y puede o no llevar cantos. Diversos exponentes han sido difusores o intérpretes del estilo desde la década de 1960 como Los Corraleros de Majagual, Andrés Landero, Policarpo Calle, Alfredo Gutiérrez o Lisandro Meza, entre otros. También en el extranjero se imponen el Cuarteto Imperial en Argentina; en México, Super Grupo Colombia, Guacharacos de Colombia y La Perla Colombiana de Félix Olvera, Cuarteto Continental de Perú y Vallenatos del Guayas en Ecuador.
Atuendo
Las mujeres usan polleras amplias y dos estilos de blusas: las cerradas, de mangas tres cuartos con volantes, los cuales también están presentes en el remate de la blusa, que cae a unos 50 centímetros del hombro. Por la espalda va entallada a la cintura y por delante totalmente suelta. En los climas más calientes se usa otro tipo de blusa escotada con un volante grande que rodea los hombros y en la cintura va sujeta a la falda. La mujer lleva en el brazo en alto uno o varios manojos de velas encendidas (antiguamente usaban mechones, usuales en fiestas públicas), con las cuales alumbra y a la vez se defiende de la insistencia del hombre. En la cabeza llevan ramilletes de cayenas y en los cuellos collares de variados colores.
Los hombres siempre visten pantalón y camisa blancos. La camisa es de cuello redondo, con pechera adornada y mangas largas de puño cerrado. El pantalón se anuda en la parte de atrás. Además, los hombres lucen un pañolón rojo alrededor del cuello, sombrero concha de jobo o vueltiao, mochila y una funda sin machete al cinto.
Coreografía
Los bailarines entran en escena desde el fondo en doble fila india, las mujeres por la izquierda, los hombres por la derecha, trazan un semicírculo, las mujeres siguen a un lado y los hombres al otro, se encuentran nuevamente en un punto medio, entonces hombre y mujer dan una vuelta sobre sí mismos en dicho punto. Luego avanzan hasta formar un círculo con que empieza la cumbia.
La mujer baila en posición erguida sosteniendo con el brazo derecho en alto un mazo de velas encendidas y con la mano izquierda levantando un extremo de la pollera a la altura de la cintura. Danza deslizándose sobre el suelo, nunca levanta los pies, el movimiento de las caderas es moderado y rítmico.
El hombre apoya siempre toda la planta del pie izquierdo a manera de pivote, y del derecho sólo apoya el metatarso, elevando el talón. Realiza cabriolas, gesticula, hace ademanes, pela los dientes, saca la lengua, encoge los hombros, se encorva, se quita y se vuelve a poner el sombrero, da más velas a la mujer, a la cual le baila de frente, a los lados, por detrás y da vueltas a su alrededor.
- 1: Repique de tambor. Las mujeres describen el primer círculo y conservan su formación. Cada pareja se enfrenta, la mujer amaga a su parejo y este rehúye. Seguidamente, las mujeres avanzan conservando la formación del círculo.
- 2: El hombre describe un círculo alrededor de la mujer, lo inicia detrás de ella y vuelve al punto de partida.
- 3: El parejo aparenta colocar su antebrazo izquierdo sobre los hombros de la mujer para invitarla a dar una vuelta. La suelta imaginariamente, se separa y gira sobre sí mismo, mientras la mujer completa la suya y sigue adelante.
- 4: La mujer describe un círculo alrededor del hombre. Empieza por el lado izquierdo y sigue adelante.
- 5: El hombre realiza otra vuelta alrededor de su pareja, pasa primero por delante ejecutando figuras y coqueteos. Completa la vuelta por detrás y vuelve a su posición inicial.
- 6: La mujer retrocede tres pasos, gira sobre sí misma y hace el ademán de quemar al hombre con el mazo de velas. Luego sigue hacia adelante.
- 7: El hombre insinúa tomar a su pareja por la cintura y luego se alejan juntos.
Festivales
Anualmente se celebran el Festival Nacional de la Cumbia, en El Banco, Magdalena, el Festival Nacional de la Cumbiamba en Cereté, Córdoba, y el Sirenato de la Cumbia en Puerto Colombia, Atlántico. El carnaval de Barranquilla es escenario de múltiples presentaciones y concursos de cumbia; el principal escenario de los desfiles, la avenida denominada Vía 40, se llama el "cumbiódromo" durante los días de carnaval en analogía con el sambódromo de Río de Janeiro y otras ciudades de Brasil. Desde hace varios años se proyecta el traslado del cumbiódromo a la futura avenida del Río.
COUNTRY
Los
orígenes
A lo largo del siglo XVII emigrantes de origen checo, francés, alemán y anglo-celta empezaron a llegar a las colonias huyendo de la miseria y trayendo consigo una mezcla primaria de canciones folk, baladas, bailes y piezas instrumentales. Con el paso de los años los sureños norteamericanos, establecidos a lo largo del territorio de los Apalaches, fueron olvidando las baladas heredadas de sus ancestros y adoptaron canciones de otras regiones, como las de los cowboys nativos, provocando la sutil transformación del folk original en el llamado hillbilly, palabra derivada del término hillbillies con el que se conocía popularmente a estos personajes.
En los añoseinte, la nueva industria fonográfica usaría esta etiqueta para clasificar los discos dirigidos a la audiencia de raza blanca y rural del sur de Estados Unidos. Músicos regionales como la familia Carter (el periodo de su mayor actividad se extiende desde 1927 a 1943) grabarían viejas baladas y canciones sentimentales, usando técnicas vocales e instrumentos tradicionales de las montañas del sur. Jimmie Rodgers, más orientado al blues y al sonido del oeste, introdujo los yodels. La radio contribuyó a la difusión de la música, culminando en 1939, cuando el espectáculo del Grand Ole Opry comenzó a difundirse en todo el país.
En este mismo período, y tras la abolición de la "ley seca", empezaron a nacer en Texas salas de baile donde se podía beber, bailar, cantar y charlar. A esta relación se la denominó honky-tonking y a los locales honky-tonks.
Cuando la música hillbilly (empezada a
conocer ya como country por designios de las propias discográficas) entró
en los honky-tonks sufrió numerosas transformaciones para adaptarse a
estos garitos donde predominaba un fuerte sonido de fondo (voces, tintinear de
vasos y botellas, ...). Los guitarristas marcaban el ritmo de las canciones
tocando las seis cuerdas a la vez, creando el efecto de percusión típico del
estilo que se denominaría también honky-tonk.
Bob Wills, músico tejano, creó por su parte un sonido irresistible dentro del country al intentar imitar el blues con su violín (fiddle): el western swing, que posteriormente sería fusionado con el honky-tonk por Hank Thompson, que colocó su tema "Humpty Dumpty Heart" en lo alto de las listas de éxito en 1.948. A mediados de los cuarenta, apareció otro nuevo estilo, el bluegrass, al que más que una variante del country se puede considerar un género independiente. Fueron las propias discográficas las que empezaron a darle esta denominación debido a la música que hacía Bill Monroe & His Blue Grass Boys. Este tipo de sonido estaba interpretado por una formación de instrumentos de cuerda - mandolina, bajo, violín y banjo de cinco cuerdas - y estaba tan enraizada en las canciones tradicionales escocesas como en el blues. Otra variante del country es el tex-mex, mezcla de músicas y culturas de Texas y México. Uno de sus mayores exponentes fue Freddy Fender, que dominó el género tanto en solitario como con los Texas Tornados, donde contaba con la colaboración del acordeonista y cantante Flaco Jiménez.
Un último estilo a citar dentro del panorama country es el cajun, una expresión de lírica francesa con formas derivadas de la polca, que introducía en sus raíces elementos del blues, jazz y country y que evolucionó en la Louisiana rural francoparlante Su mayor difusión se produjo a mediados de los cuarenta, cuando Harry Choates popularizó una antigua pieza titulada "Jole Blon".
Durante estos años alguna canción
country aparecía esporádicamente en las listas de éxitos, aunque siempre
en boca de cantantes pop, no en las originales, y sólo ocasionalmente se colaba
en ellas alguna canción con aire honky-tonk. Lejos quedaban los regueros
de éxitos de Hank Williams o los casos esporádicos de los temas "Tennesse
Waltz" de Patti Page y de "Pick Me Up On Your Way Down", de Charlie Walker. Sólo
un nombre destacó sobre el resto: Chet Atkins, el hombre que hizo que Nashville
recibiera el sobrenombre de Music City U.S.A. y que acabó por convertirse en
ejecutivo de la RCA.
Esta música llegó a públicos de toda la nación durante la II Guerra Mundial. Nashville, en el estado de Tennessee, se convirtió en su principal centro de actuación. Las figuras más destacadas eran el cantante de estilo montañés tradicional Roy Acuff; Ernest Tubb, que provenía de los circuitos del honky-tonk; y Hank Williams, que había asimilado elementos de ambas tendencias. Dos importantes vocalistas femeninas fueron Patsy Montana y Kitty Wells.
Uno de los puntos fuertes de este estilo son las letras de sus canciones, que a menudo tratan de temas como la soledad, la pobreza o la falta de hogar. Otros líderes de este periodo fueron el mandolinista Bill Monroe y el intérprete de banjo Earl Scruggs, que establecieron juntos el sonido de la cuerda sin amplificar y típico del bluegrass.
En la década de los 60 Nashville, una ciudad que todavía respiraba con los pulmones de Hank Williams, comprendió que la reconciliación con el rock - género del que era progenitor - no sólo era inevitable sino que bien podía dar alas al terrible envaramiento en que se encontraba el
country clásico.
Es sabido que algunos de los fundadores del rock - Elvis Presley, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis - surgieron del country y acabaron por volver a él. Sin embargo durante ésta década el country, nacionalista y conservador, era denostado por muchos músicos como el reducto de la más dura derecha de los Estados Unidos. Las cosas empezaron a canviar el día que Bob Dylan - profeta del hip - se acercó a Nashville y fue fotografiado abrazando a Johnny Cash, que acababa de versionar su "It Ain't Me Babe". Fue una imagen escandalosa para sus seguidores, a los que Dylan tuvo que recordar que el country estaba en sus raíces. Ante las reacciones adversas, el judío de Minessota, se encogió de hombros y replicó grabando algunas de sus obras maestras "Blonde On Blonde" (1.966), "John Wesley Harding" (1.968), "Nashville Skyline" (1.969) y "Self Portrait" (1.970). Durante los años sesenta y setenta cantantes como Loretta Lynn, Dolly Parton, Willie Nelson o Waylon Jennings también alcanzaron la fama en todo el país. En esos días, jovenes autores de la Costa Oeste contribuyeron también con sus ideas innovadoras a la renovación del género. La introducción de toques country para suavizar el sonido clásico habitual en ciertos clubs, dió lugar al nacimiento del country-rock.
Cuando Elvis Presley editó su primer disco,
nadie supo cómo denominar a aquel fenómeno musical híbrido, hasta que surgió el
término rockabilly, fusión de la música negra - rocking - y la
blanca - hillbilly.
El country empezó entonces a buscar nuevos valores y algunos interpretes empezaron por versionar a Elvis siendo pocos los que se salvaron de la moda. George Jones, por ejemplo, conocido por su dedicación al hard country, acabó por grabar "Rock It". Linda Ronstadt y Emmylou Harris son también destacadas representantes de este género. Muchos artistas procedentes del country o del folk coquetearon con el rockabilly motivados por las ventajas económicas de la nueva moda. Algunos de ellos se integraron en la corriente durante un tiempo (Johnny Cash, Sonny James, Eddy Arnold, Roy Orbison, Sleepy LaBeef), mientras que otros lo hicieron hasta su retirada (Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Brenda Lee, Wanda Jackson).
Actualmente, a principios del siglo XXI, el
country entra en las lista de popularidad de cualquier país. Garth Brooks
- distinguido artista del neo-honky-tonk - ha vendido 60 millones de
copias de sus ocho álbumes. Cifras a tener en cuenta también son las que manejan
artistas como Alan Jackson, Brooks & Dunn, The Mavericks y un extenso
reguero de solistas y grupos.
Hubo un tiempo en que este género musical estaba relacionado con el campesinado norteamericano, con gente de cara colorada, vaqueros raídos de marca desconocida, botas manchadas de barro, sombrero tejano de mimbre y manos callosas con tufillo a vaca - es decir, con rednecks. Hoy, sin embargo, una parte de la sociedad se ha sumado al ritmo contagioso y bailarín de la música country, visten vaqueros de diseño, sombreros Stetson y camisas blancas, rojas y negras. Ya no es una música para campesinos e incluso puede oírse en los más sofisticados garitos de élite norteamericanos
MEJORES CANTANTES DE COUNTRY
A lo largo del siglo XVII emigrantes de origen checo, francés, alemán y anglo-celta empezaron a llegar a las colonias huyendo de la miseria y trayendo consigo una mezcla primaria de canciones folk, baladas, bailes y piezas instrumentales. Con el paso de los años los sureños norteamericanos, establecidos a lo largo del territorio de los Apalaches, fueron olvidando las baladas heredadas de sus ancestros y adoptaron canciones de otras regiones, como las de los cowboys nativos, provocando la sutil transformación del folk original en el llamado hillbilly, palabra derivada del término hillbillies con el que se conocía popularmente a estos personajes.
En los añoseinte, la nueva industria fonográfica usaría esta etiqueta para clasificar los discos dirigidos a la audiencia de raza blanca y rural del sur de Estados Unidos. Músicos regionales como la familia Carter (el periodo de su mayor actividad se extiende desde 1927 a 1943) grabarían viejas baladas y canciones sentimentales, usando técnicas vocales e instrumentos tradicionales de las montañas del sur. Jimmie Rodgers, más orientado al blues y al sonido del oeste, introdujo los yodels. La radio contribuyó a la difusión de la música, culminando en 1939, cuando el espectáculo del Grand Ole Opry comenzó a difundirse en todo el país.
En este mismo período, y tras la abolición de la "ley seca", empezaron a nacer en Texas salas de baile donde se podía beber, bailar, cantar y charlar. A esta relación se la denominó honky-tonking y a los locales honky-tonks.
| El hillbilly y
sus estilos derivados |
Bob Wills, músico tejano, creó por su parte un sonido irresistible dentro del country al intentar imitar el blues con su violín (fiddle): el western swing, que posteriormente sería fusionado con el honky-tonk por Hank Thompson, que colocó su tema "Humpty Dumpty Heart" en lo alto de las listas de éxito en 1.948. A mediados de los cuarenta, apareció otro nuevo estilo, el bluegrass, al que más que una variante del country se puede considerar un género independiente. Fueron las propias discográficas las que empezaron a darle esta denominación debido a la música que hacía Bill Monroe & His Blue Grass Boys. Este tipo de sonido estaba interpretado por una formación de instrumentos de cuerda - mandolina, bajo, violín y banjo de cinco cuerdas - y estaba tan enraizada en las canciones tradicionales escocesas como en el blues. Otra variante del country es el tex-mex, mezcla de músicas y culturas de Texas y México. Uno de sus mayores exponentes fue Freddy Fender, que dominó el género tanto en solitario como con los Texas Tornados, donde contaba con la colaboración del acordeonista y cantante Flaco Jiménez.
Un último estilo a citar dentro del panorama country es el cajun, una expresión de lírica francesa con formas derivadas de la polca, que introducía en sus raíces elementos del blues, jazz y country y que evolucionó en la Louisiana rural francoparlante Su mayor difusión se produjo a mediados de los cuarenta, cuando Harry Choates popularizó una antigua pieza titulada "Jole Blon".
| Declive y
renacimiento del country |
Esta música llegó a públicos de toda la nación durante la II Guerra Mundial. Nashville, en el estado de Tennessee, se convirtió en su principal centro de actuación. Las figuras más destacadas eran el cantante de estilo montañés tradicional Roy Acuff; Ernest Tubb, que provenía de los circuitos del honky-tonk; y Hank Williams, que había asimilado elementos de ambas tendencias. Dos importantes vocalistas femeninas fueron Patsy Montana y Kitty Wells.
Uno de los puntos fuertes de este estilo son las letras de sus canciones, que a menudo tratan de temas como la soledad, la pobreza o la falta de hogar. Otros líderes de este periodo fueron el mandolinista Bill Monroe y el intérprete de banjo Earl Scruggs, que establecieron juntos el sonido de la cuerda sin amplificar y típico del bluegrass.
En la década de los 60 Nashville, una ciudad que todavía respiraba con los pulmones de Hank Williams, comprendió que la reconciliación con el rock - género del que era progenitor - no sólo era inevitable sino que bien podía dar alas al terrible envaramiento en que se encontraba el
country clásico.
Es sabido que algunos de los fundadores del rock - Elvis Presley, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis - surgieron del country y acabaron por volver a él. Sin embargo durante ésta década el country, nacionalista y conservador, era denostado por muchos músicos como el reducto de la más dura derecha de los Estados Unidos. Las cosas empezaron a canviar el día que Bob Dylan - profeta del hip - se acercó a Nashville y fue fotografiado abrazando a Johnny Cash, que acababa de versionar su "It Ain't Me Babe". Fue una imagen escandalosa para sus seguidores, a los que Dylan tuvo que recordar que el country estaba en sus raíces. Ante las reacciones adversas, el judío de Minessota, se encogió de hombros y replicó grabando algunas de sus obras maestras "Blonde On Blonde" (1.966), "John Wesley Harding" (1.968), "Nashville Skyline" (1.969) y "Self Portrait" (1.970). Durante los años sesenta y setenta cantantes como Loretta Lynn, Dolly Parton, Willie Nelson o Waylon Jennings también alcanzaron la fama en todo el país. En esos días, jovenes autores de la Costa Oeste contribuyeron también con sus ideas innovadoras a la renovación del género. La introducción de toques country para suavizar el sonido clásico habitual en ciertos clubs, dió lugar al nacimiento del country-rock.
| Rockabilly y New-Country |
El country empezó entonces a buscar nuevos valores y algunos interpretes empezaron por versionar a Elvis siendo pocos los que se salvaron de la moda. George Jones, por ejemplo, conocido por su dedicación al hard country, acabó por grabar "Rock It". Linda Ronstadt y Emmylou Harris son también destacadas representantes de este género. Muchos artistas procedentes del country o del folk coquetearon con el rockabilly motivados por las ventajas económicas de la nueva moda. Algunos de ellos se integraron en la corriente durante un tiempo (Johnny Cash, Sonny James, Eddy Arnold, Roy Orbison, Sleepy LaBeef), mientras que otros lo hicieron hasta su retirada (Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Brenda Lee, Wanda Jackson).
| El country
hoy |
Hubo un tiempo en que este género musical estaba relacionado con el campesinado norteamericano, con gente de cara colorada, vaqueros raídos de marca desconocida, botas manchadas de barro, sombrero tejano de mimbre y manos callosas con tufillo a vaca - es decir, con rednecks. Hoy, sin embargo, una parte de la sociedad se ha sumado al ritmo contagioso y bailarín de la música country, visten vaqueros de diseño, sombreros Stetson y camisas blancas, rojas y negras. Ya no es una música para campesinos e incluso puede oírse en los más sofisticados garitos de élite norteamericanos
MEJORES CANTANTES DE COUNTRY
- Bill Monroe
- Billy Ray Cyrus
- Bob Wills
- Brad Baisley
- Buddy Holly
- Elvis Presley
- Joe Diffie
- Johnny Cash
- Toby Keith
- Josh Turner
BOLEROS
Orígenes e historia
El género es identificable por algunos elementos rítmicos y nuevas formas de composición que aparecieron en el qujehacer musical en la isla de Cuba durante el siglo XIX.
Aunque comparte el nombre con el bolero español, que es una danza que surgió en siglo XVIII y se ejecuta en compás ternario de 3/4 , el género cubano desarrolló una célula rítmica y melodía diferente, en compás de 2/4.
El bolero típico cubano surgió alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1883.Esa pieza dio origen formal al género y presentó el acompañamiento musical que denominamos «clásico» de guitarras y percusión. Así, el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. En 1925 Miguel Matamoros creó el Trío Matamoros y poco más tarde creó el bolero son, fruto de la unión del bolero y del son cubano.
Subgéneros del bolero
La importancia musical de Cuba se hizo sentir no sólo con el bolero sino con el son, el danzón, entre otros. Los países de la cuenca del gran Caribe hispano adoptaron el producto que Cuba les daba entre los años veinte y los treinta. Eso permitiría la fusión y del bolero con otros géneros musicales. Esto provocó el surgimiento de algunos subgéneros como el bolero rítmico, bolero cantinero, bolero-chacha, bolero mambo, el bolero ranchero (mezcla de bolero y mariachi mexicano), el bolero moruno (bolero con influencias gitanas e hispánicas) e inclusive la bachata.
Desarrollo y orquestación del bolero
Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano.
También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 rpm (revoluciones por minuto), luego lo de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados LP (long plays). Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes.
Otro factor que contribuyó al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al bolero cultivarse y desarrollarse "con calma", sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política. Por ello, la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Así mismo, la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia.
Decadencia y resurrección del bolero
Indiscutiblemente con el bolero, pasaria lo mismo que con otros géneros de música bailable, como el mambo y el cha-cha-chá, no totalmente pero fueron sustituidas hasta nuestros días por el son montuno, guaracha o el nombre comercial salsa y otros géneros como la bachata o el merengue.
No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de su exponentes originales, como Orlando Contreras, Rolando Laserie, Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días.
Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazan de baladas sus composiciones.También intérpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop.
En los años 2000 existió una resurrección del bolero, realizada por Carlos Cuevas, Alejandro Fernández, Edith Márquez, Luis Miguel, Rocío Dúrcal, Mijares, Guadalupe Pineda y Charlie Zaa, entre otros.
Baile
El ritmo del bolero es de un compás de 2/4. En el primer tiempo, la pareja, uno frente a otro y con los cuerpos pegados, solo mueve la pelvis, en el segundo da un paso rápido, en el tercero también, y en el cuarto da un paso lento; todo esto mientras se gira lentamente hacia la izquierda. Esta forma de bailar tan simple lo hizo popular en todo el mundo, en todos los ambientes y entre todas las clases sociales.
MEJORES CANTANTES DE BALADA
El género es identificable por algunos elementos rítmicos y nuevas formas de composición que aparecieron en el qujehacer musical en la isla de Cuba durante el siglo XIX.
Aunque comparte el nombre con el bolero español, que es una danza que surgió en siglo XVIII y se ejecuta en compás ternario de 3/4 , el género cubano desarrolló una célula rítmica y melodía diferente, en compás de 2/4.
El bolero típico cubano surgió alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1883.Esa pieza dio origen formal al género y presentó el acompañamiento musical que denominamos «clásico» de guitarras y percusión. Así, el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. En 1925 Miguel Matamoros creó el Trío Matamoros y poco más tarde creó el bolero son, fruto de la unión del bolero y del son cubano.
Subgéneros del bolero
La importancia musical de Cuba se hizo sentir no sólo con el bolero sino con el son, el danzón, entre otros. Los países de la cuenca del gran Caribe hispano adoptaron el producto que Cuba les daba entre los años veinte y los treinta. Eso permitiría la fusión y del bolero con otros géneros musicales. Esto provocó el surgimiento de algunos subgéneros como el bolero rítmico, bolero cantinero, bolero-chacha, bolero mambo, el bolero ranchero (mezcla de bolero y mariachi mexicano), el bolero moruno (bolero con influencias gitanas e hispánicas) e inclusive la bachata.
Desarrollo y orquestación del bolero
Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano.
También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 rpm (revoluciones por minuto), luego lo de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados LP (long plays). Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes.
Otro factor que contribuyó al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al bolero cultivarse y desarrollarse "con calma", sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política. Por ello, la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Así mismo, la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia.
Decadencia y resurrección del bolero
Indiscutiblemente con el bolero, pasaria lo mismo que con otros géneros de música bailable, como el mambo y el cha-cha-chá, no totalmente pero fueron sustituidas hasta nuestros días por el son montuno, guaracha o el nombre comercial salsa y otros géneros como la bachata o el merengue.
No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de su exponentes originales, como Orlando Contreras, Rolando Laserie, Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días.
Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazan de baladas sus composiciones.También intérpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop.
En los años 2000 existió una resurrección del bolero, realizada por Carlos Cuevas, Alejandro Fernández, Edith Márquez, Luis Miguel, Rocío Dúrcal, Mijares, Guadalupe Pineda y Charlie Zaa, entre otros.
Baile
El ritmo del bolero es de un compás de 2/4. En el primer tiempo, la pareja, uno frente a otro y con los cuerpos pegados, solo mueve la pelvis, en el segundo da un paso rápido, en el tercero también, y en el cuarto da un paso lento; todo esto mientras se gira lentamente hacia la izquierda. Esta forma de bailar tan simple lo hizo popular en todo el mundo, en todos los ambientes y entre todas las clases sociales.
MEJORES CANTANTES DE BALADA
- Benny More
- Daniel Santos
- Felipe Pirela
- Julio Jaramillo
- Lope Balaguer
- Lucho Gatica
- Marco Antonio Muñiz
- Roberto Yanes
- Tito Rodriguez
- Trio Los Ponchos
BALADAS
| Balada: la música del amor | |||||||
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